Fotografía deportiva: Apunta, dispara y corre

La buena fotografía de acción en los deportes no es fácil. Muchos deportes como el fútbol, o los deportes de motor ofrecen un acceso limitado para los aficionados. Para poner las cosas más difíciles, conseguir tomas de cerca resulta ser prácticamente imposible. Por lo que, por ejemplo, cuando observamos las retransmisiones de la Fórmula 1, podemos observar auténticos museos de coleccionista en las gradas principales. Además resultan ser, por lo general, este tipo de lentes, los teleobjetivos los de precios más altos. En los partidos de fútbol de alta competición ocurre lo mismo.
Sin embargo, hay deportes de acción como puede ser el Mountain Bike o el Motocross donde esto cambia. Por eso tomaremos como ejemplo estos deportes. Tanto a nivel amateur como a nivel profesional el acercamiento es posible. Por eso, un zoom estandar puede ser suficiente para obtener buenas tomas. Eso sí quizás con el motocross tendrás que tener un poquito más de cuidado, obviamente. Las técnicas que veremos aquí en este artículo son fácilmente aplicables a otros deportes, donde prime la explosividad. Además de que muchas veces competiciones de moto cross o mountain bike suelen darse bastante a menudo por lo que es una buena manera de introducirse a la fotografía deportiva.

Hacer Panning

Es la técnica básica y fundamental para la fotografía de acción de cualquier tipo. El sujeto o motivo de nuestra fotografía se mueve rápidamente pasando delante de nosotros que permanecemos estáticos. Bien, esto puede parecer bastante obvio. La técnica de “panning”, consiste en hacer un seguimiento del sujeto según pasa por delante de nosotros realizando las fotografías (en modo ráfaga normalmente). Utilizar el modo ráfaga te permitirá aumentar las posibilidades de tener una imagne nítida del sujeto así como la de obtener una buena composición.

Oye, Alfonso, pero cuál es el truco. Seguir al sujeto con exactitud a través del visor de nuestra cámara es la clave. Vale, sí, estarás pensando: lo sé, pero no me sale, qué hago mal.

Veamos cómo funciona el proceso. Cuando realizas una toma, el obturador está abierto durante un corto período de tiempo. Durante esa fracción de tiempo las lentes proyectan la imagen del sujeto sobre el sensor. Hasta ahí, es fácil de entender. Ahora viene la miga. Si lo proyectado se está moviendo mientras el obturador está aberto la imagen resultará desenfocada. ¿Entonces? Pues la solución la vais intuyendo ya ¿verdad? Así si lo que queremos es que el ciclista o el piloto aparezcan nítidos según pasan delante nuestro deberemos compensar ese movimiento mientras está aberto el obturador. Así si el movimiento es de izquierda a derecha, como en la fotografía de portada que realicé hace unos años, nosotros giraremos el cuerpo de izquierda a derecha según pasa la moto. Entendido.

Vale. Entendido, Alfonso. Lo he probado pero aún me sale mal.

Bien, probablemente se me olvidaba comentarte: hay que entrenarlo, no suele salir a la primera. Mantén una posición firme con los pies ligeramente ladeados un poquito hacia fuera. Deja la cadera relajada. El movimiento debe ser suave pero firme, como el swing de los golfistas. Cuando pase nuestra presa realiza el movimiento acompasado girando y siguiendo según pasa. Dispara en ráfaga. Una vez haya pasado, revisa las tomas, realiza algo de zoom y verifica la nitidez de las imágenes realizadas. El motivo debe estar nítido y el fondo debe presentar desenfoque de movimiento.

Fotografía de alba-7 en nuestro grupo de flickr

Un pequeño truco. A través del visor no trates de seguir toda la bici o la moto. Concéntrate en una parte concreta, por ejemplo el casco. Esto suele dar mejores resultados además que recuerda que si en los retratos la importancia principal reside en enfocar los ojos, aquí tener bastante enfocado la zona de la cabeza dará imágenes que funcionan visualmente. Eso sí, con una telemétrica a diferencia de una réflex, como me recordaba mi compañero Javier Prieto, no perderás de vista el objeto la vista al disparar las tomas.
Y un consejo, practica la velocidad de rotación. Practica, practica y practica. Esto te dará la técnica correcta para conseguir tanto diversos efectos como imágenes nítidas. Así podremos centrar el enfoque donde queramos. Fíjate en la siguiente fotografía, ¿dónde hay mayor grado de nitidez?

Fotografía de alba-7 en nuestro grupo de flickr

Configurar la cámara para hacer un panning correcto

Si bien hemos visto cómo realizar la técnica, es decir, como realizar el movimiento de forma correcta, es preciso conocer exactamente cómo debemos configurar el setup de nuestra cámara.

• Enfoque continuo es lo más recomendable. Aunque como bien me apunta Jose Barceló, puedes enfocar sobre el suelo por donde pase el sujeto, lo dejas en manual y cuando pase haces el recorrido. Esto lo puedes hacer si tu enfoque continuo no es muy preciso.

• Es recomendable usar ISOs bajos para minimizar el impacto del ruido. Si tenemos ruido sobre el fondo desenfocado el efecto perderá visualmente.

• Configurar una velocidad alta de obturación (1/250” o superior) nos permitirá congelar el sujeto perfectamente, aunque hay que decir con una velocidad de obturación tan rápida nos será más fácil realizar el correcto seguimiento del sujeto pero, a cambio, el fondo tendrá un menor desenfoque de movimiento. Para no fallar y conseguir congelar el sujeto, una velocidad de 1/500” es lo indicado. ¡Ojo, si disparas utilizando el flash! Normalmente la sincronización máxima entre el flash y la cámara en la mayoría de las marcas y modelos suele estar entre 1/200” y 1/250” por lo que si vas a utilizar una velocidad superior no podrás o deberás tener la posibilidad de utilizar HSS o sincronización a alta velocidad.

• Configurar una velocidad lenta como 1/60” te permitirá dos cosas: realizar el seguimiento del sujeto en movimiento es más complicado pero, a cambio, aumentarás la cremosidad del bokeh del fondo. Es decir la sensación de movimiento será mayor.

• ¿Qué velocidad es la correcta? Prueba y practica con ellas no hay una respuesta. Incluso disparar a 1/15” según giras puede darte muy buenos resultados, siempre que en este caso la cara del sujeto quede bien enfocada. Como podéis ver en esta imagen a continuación.

Fotografía de macg5555 en nuestro grupo de flickr disparada a 1/13” y f/22.0

• Un enfoque clásico del tema, como me apunta mi compañero Jose, nos apunta el siguiente truquillo: un coche en ciudad (1/50”), un coche en carretera (1/125”), un fórmula 1 (1/250”). Aunque al final has de calcular y probar para conseguir el efecto deseado.

• Utiliza aperturas cerradas: f/8 f/9 o f/11 o incluso f/16 … disparar con una apertura muy abierta como f/1.8 reduce mucho la profundidad de campo y por tanto la posibilidad de enfocar bien al sujeto en movimiento se hace complicadísima.

Dos últimos apuntes, que no tienen que ver con la configuración: cuida el ángulo de inclinación. Según sea obtendrás diferentes efectos de desenfoque de movimiento. Y, el segundo, antes de disparar: visualiza el sujeto pasando delante de ti y a ti realizando la toma. Esto te ayudará a concentrarte en un punto focal y realizar mejor el enfoque. A mí me funciona. Aunque esto último tiene algo más que ver con la psicología deportiva.

Fuente : www.xatakafoto.com

8 Consejos para hacer fotos deportivas

La fotografía deportiva representa un gran reto para el fotógrafo, inclusive hasta para el fotógrafo profesional. Requiere dominar los conceptos básicos para hacer fotografía como la composición, la iluminación, enfoque, profundidad de campo y exposición. A esto hay que añadir el elemento de acción en fracciones de segundos lo que lo hace aún un mayor reto.

El mínimo error puede arruinar tu foto de deportes. Ahora bien, no hay duda que la fotografía deportiva trae consigo grandes cantidades de otros elementos como son: escenas de gran impacto y dramatismo. Lo que la hace un tipo de fotografía atractiva tanto para el fotógrafo como para el espectador (de la fotografía).

Clasificación de la fotografía deportiva

Yo divido la fotografía en dos grupos importantes; deportes con buena iluminación y con poca iluminación.
Ejemplos de deportes con buena iluminación son aquellos que se realizan mayormente al aire libre bajo la luz diurna de un día soleado: beisbol, automovilismo, tenis, futbol, balompié, baloncesto al aire libre, vólibol playero, surfing y otros.
Deportes de poca iluminación son aquellos que típicamente se juegan en grandes estadios bajo luz artificial, algunos ejemplos: hockey, baloncesto, vóleibol, gimnasia.
Hago esta división porque la cantidad de luz con la que cuentas en la escena es proporcionar al nivel de dificultad para tomar la foto. Si cuentas con buena iluminación habrá menor dificultad, si cuentas con poca luz entonces comienzan los grandes retos.

La clave para mejores fotos de deportes

Antes de comenzar a hablar del equipo necesario quiero hacer hincapié en lo que es para mí la clave para hacer fotos deportivas exitosas:
La velocidad de obturación rápida es crucial para obtener fotos de acción claras y de alta nitidez.
Ésta debe ser más rápida que la acción que vas a fotografiar para garantizar la nitidez.
Experimentar con velocidades bajas de obturación no está mal, pero lo debes hacer para cuando ya domines la técnica de la fotografía deportiva y quieras comenzar a crear fotos diferentes.

Velocidad de obturación para fotos de acción y deportes

Si cuentas con buena iluminación o sea que estas fotografiando la acción bajo la luz de un día soleado podrás usar un lente u objetivo de uso común y lograr buenos resultados. Por ejemplo podrías utilizar una apertura entre f/8 y f/11 y usar fácilmente velocidades de obturación de 1/500 o más rápidas a ISO 100 o 200. Estas velocidades de obturación suelen ser lo suficientemente rápidas para congelar acciones de alta velocidad.
Si cuentas con poca iluminación o estas dentro de un estadio bajo luz artificial entonces esto complicara las cosas porque para poder conseguir altas velocidades de obturación necesitaras abrir al máximo la apertura para dejar entrar más luz lo que por consiguiente reduce considerablemente la profundidad de campo que a su vez hace el enfoque de la escena de acción aún sea más complicado. Pero no tienes por qué darte por vencido, hay soluciones para esto.

1. Consejos sobre fotografía deportiva – Usa lentes u objetivos rápidos

Aquellos lentes que tienen aperturas de números f bajos como f/2.8, f/4 se conocen como lentes rápidos porque al permitir la entrada de gran cantidad de luz las velocidades de obturación que se obtienen para una exposición dada son muy rápidas. Este tipo de lente es ideal para la toma de fotos de acción y deporte porque bajo condiciones de poca luz dentro de un estadio aun te permiten velocidades de obturación por encima de 1/125 de segundos. Te adelanto que el costo de este tipo de lente es bastante alto.

2. Consejos sobre fotografía deportiva – Usa sensibilidad ISO altas

Si no cuentas con un lente rápido o el lente que estas usando no te permite una velocidad de obturación rápida aun estando en su apertura máxima entonces tu opción es aumentar el ISO. Cada vez que aumentas el ISO un stop tu sensor se hace doblemente sensible a la luz. Esto te permitirá lograr exposiciones correctas a velocidades de obturación más altas. Ahora bien el ISO alto trae consigo el ruido o el efecto de granulación en la foto así que tendrás que buscar el equilibrio entre la velocidad de obturación y la nitidez que quieres obtener en la foto.

3. El enfoque

Para el fotógrafo deportista el enfoque automático es un regalo de los dioses. El conocer los modos de enfoque automático que tiene tu cámara será útil pues podrás escoger el modo que más se ajuste a tu necesidad del momento. Usualmente el modo AF-C de enfoque continuo es el que más uso porque el objetivo o lente se ajusta automáticamente mientras el sujeto está en movimiento. Si el sujeto se mueve hacia ti este modo no trabaja bien por lo que te sugiero cambiar al modo manual para estos casos.

4. La Ubicación

La ubicación con relación a la acción es importante. Mientras más cerca de ella mejor ya que entonces no necesitaras lentes de largo alcance. Recuerda que este tipo de lente es uno lento, es decir que dejan entrar poca luz.

5. Consejos sobre fotografía deportiva – ¿Trípode, monopié o desde mis manos?

Es aconsejable utilizar un monopod o monopié para sujetar tu cámara. Este tiene varias ventajas sobre el trípode. Alguna de ellas son: el manejo es más fácil, requiere poco espacio para apoyarlo, gira fácilmente sobre su propio eje mientras te da la flexibilidad de movimiento. Si cuentas con un lente con capacidad de estabilización de imagen o reductor de vibración (VR) puedes entonces tomar tus fotos sin ayuda de un monopod, estos lentes a mí me han dado excelentes resultados sin ningún tipo de apoyo.

6. El Encuadre

Llenar el encuadre de tu foto en el campo de la fotografía deportiva es por si solo complicado y te limita a poder capturar elementos importantes de la acción. Es por eso que los grandes fotógrafos de este campo hacen encuadres amplios en sus fotos y después re-encuadran durante el post-proceso. No te agobies, haz tú lo mismo.

7. Disparar en el formato RAW o JPG?

Bueno aquí hay diversa opiniones. Yo te daré la mía. Si quieres fotos de alta calidad, color, contraste y nitidez usa el formato RAW. LA desventaja es que este formato requiere de tiempo de escritura en el disco de memoria más largos que el formato jpg. Si estas disparando tu cámara en el modo continuo el capturar en el formato RAW limitará la cantidad de fotos capturadas por segundos de la cámara.

8. Sincronización de cronómetro

La fotografía de acción requiere el cronometraje entre el momento de la acción y el disparo del obturador. Esto hace la diferencia entre un buen fotógrafo de deportes y uno mediocre. Si aprende a anticipar la acción y logras cronometrar el disparo obtendrás fotos deportivas de gran impacto con escenas como la bola de tenis justo tocando la raqueta, el jugador de baloncesto agarrado del aro, el golpe del boxeador justo en el pómulo.
Logra dominar la sincronización requiere de práctica, pues la cámara por su naturaleza mecánica-electrónica tiene un retraso entre el momento en que oprimes el disparador y el inicio de la operación del obturador. Pero te aseguro que si prácticas te moverás rápidamente al grupo de fotógrafos excelentes del mundo de la fotografía deportista.

Consejos sobre fotografía deportiva – Resumen

El equipo con el que debes contar es una cámara con lente de largo alcance entre 70-200mm o idealmente uno 70-300mm, estos lentes u objetivos deben tener aperturas máximas de al menos f/2.8 ó f/4. Debes utilizar un monopod o lentes VR.
La velocidad de obturación debe ser la más rápida que la acción a fotografiar combinada con la apertura e ISO adecuado para una buena exposición bajo la condición de luz a la que estas.
No te limites a capturar solo las escenas de acción pues regularmente las escenas con mayor drama se dan después de la de acción así que observa el árbitro, el coach después de las escenas de acción y obtendrás fotos de gran impacto dramático.
Finalmente, asegúrate divertirte después de todo estas participando de uno de los eventos que reúne a un gran número de personas. Lo observas y al mismo tiempo capturas fotos de sus escenas más importante, ¿quién crees tú que se está divirtiendo más? Claro, tú.

Fíate de tu sombra

Dicen que la sombra es tu mejor amigo o tu mejor aliado y que no se separará nunca de ti, no haremos caso del refrán que dice “no te fíes ni de tu sombra” porque esta vez lo que haremos será aprovecharnos de ella.
Muchas de las veces cuando salimos con nuestras cámaras al acecho de buenas fotos nos olvidamos de las cosas más simples: las sombras.
No solo me refiero a la sombra de nuestra propia silueta sino de los miles de objetos que nos rodean y que retratándolos como únicas composiciones lograremos transmitir en nuestras fotografías muchas más sensaciones.
Por ese motivo, desde Xataka Foto os queremos dar unos cuantos consejos para poder beneficiarnos mejor de las sombras y le saquemos un mayor partido.

Mira de nuevo

Observa con atención a tu alrededor, porque la cosa menos esperada puede hacer sombras sorprendentes, así que estáte atento, no te fijes sólo en tu ombligo y mira de nuevo a tu alrededor. Ya que a veces pasamos por alto objetos, que por sí solos no tienen mucha importancia pero si lo juntamos con la sombra que puede crear, cambia totalmente su significado y podemos sacar tomas realmente impresionantes.

Foto | Ferminius

Foto | theilr

Aprovéchate del atardecer

Por norma general las fotos a contraluz no suelen ser muy aconsejables y menos aún si las hacemos con la dureza del sol de la tarde, en pleno atardecer. Pero en este caso nos viene perfecto porque lo que querremos conseguir es precisamente eso, que al fotografiar a contraluz nos hagan sombras al sujeto que nos interesa. Además lo hará con mayor intensidad y la sombra será mucho más oscura, lo que dará mucha personalidad a nuestra toma.

Foto | vecinodelquinto!

Foto | aarchilla

Otras dimensiones

¿Quien no ha soñado nunca en estar en otra dimensión?Podemos usar las sombras para dar profundidad al sujeto y crear de esa forma una especie de dimensión paralela. Si queremos usar esta técnica, es recomendable que salga tanto el sujeto como la sombra entera dentro del marco, por el contrario es posible que dependiendo de la imagen nos pudiese dar un sensación de inacabado, como si nos faltase algo.

Foto | Tiago Celestino

Foto | renatotarga

Objetos abstractos.

Las propias sombras pueden crear imágenes muy interesantes entre sí ¿por qué no beneficiarnos de ellas? así que no tengas miedo ha aprovecharos de eso y utilizarlo para hacer composiciones abstractas y rebuscadas con esas sombras como únicas protagonistas. Podemos conseguir fotografías diferentes y muy originales.

Foto | fazen

Foto | Cindy Funk

Tips for using shadows

Photographers tend to pay a lot of attention to light. In fact, we often think of light as one of the most important aspects of photography. On the other hand, shadows may seem to be less important – simply a lack of light. This would be a major mistake — for light is nothing without shadows.

"Fallen Angel" captured by Jim K. (Click Image to See More From Jim K.)

Shadows are not simply a dark mass that borders the light. Rather, shadows are an entity as alive as the light. It is the shadows that shape the light, draw attention to the light, and integrate with the light to produce striking photographic opportunities. If we are to reach our full potential as photographers, we must think as much in terms of mastering the shadows as we do of mastering the light. This article details five uses of shadows in creating dynamic photos.

• Contrast and Drama
• Focus
• Directing the Attention
• Revealing Form
• Revealing Texture

Contrast and Drama

One of the most powerful uses of shadows is for the creation of contrast to produce a dramatic effect. People’s attention is automatically drawn to areas of high tonal contrast. However, tonal contrast can not occur without shadows. Thus, it is the interplay of light and shadows that creates the attention grabbing contrast. An example of this use of shadows would be a dramatic sunset where the sun punches through gaps in the clouds creating areas of light which are surrounded by dark areas where the cloud cover is heavy.

"italianità" captured by aenimation (Click Image to See More From aenimation)

Focus

Shadows can be effectively used to focus a viewer’s attention. The shadows help focus the viewer’s attention by removing detail from the less important parts of the image. An example of this would be a dramatic portrait that uses light to illuminate the eyes of the subject but allows the rest of the face to fall into deep shadow. The shadow would help to hide the detail of the face. Thus, the viewer’s attention would be drawn to the eyes of the subject.

Directing the Attention

Shadows can be used to direct the viewer’s attention. This is because shadows often have a shape. When a shaped shadow points to the center of interest in a photo, the shadow will direct the viewer’s attention to the center of interest. Conversely, the shadows can surround an area of light that points to the center of interest. In either case, the photo is strengthened as the center of interest is reinforced by the use of shadow.

Revealing Form

One of the most common uses of shadows is for revealing form. This often involves the sun, at a low angle to the horizon, casting long shadows across the terrain. Any irregularities in the shape of the subject or terrain will be magnified. An example of this use of shadow would be a low sun casting long shadows across sand dunes just before sunset.

Revealing Texture

Similar to revealing form, shadows can be used to reveal texture. Again, this often involves the sun, at a low angle to the horizon, casting shadows across the subject or terrain. The main difference is that the photographer moves in close to emphasize the texture of an object rather that the form. An example of using shadows to reveal texture would be using setting sun to emphasize the ripples in the sand of a beach.

"Walton-on-the-Naze" captured by Chris Petty (Click Image to See More From Chris Petty)

Sombras y luces

Muchas veces nos centramos en fotografiar un buen cuerpo, una mirada, un paisaje o algo que nos transmita sensaciones. Todo eso está bien, pero olvidamos la realidad del asunto, la esencia de la fotografía. Las sombras y las luces.

Si paseando por la calle te pregunto que me señales el blanco puro seguramente me señalarás a señalar alguna nube. Yo te diria que no y entonces discutiriamos sobre ello un rato. Luego, si pusieramos un papel blanco junto a una de esas nubes señaladas, veríamos que no son blancas.
No hubieramos estado discutiendo sobre qué color es blanco, lo hubieramos hecho porque nuestro cerebro tiende a realizar determinadas asociaciones. Imagina un dibujo realizado por un niño, un campo con un riachuelo: el cielo y el rio serán azules, las nubes blancas, la hierba verde y la valla marrón. En realidad el cielo cambia mucho de color en funcion de la hora, rojos anaranjados, magentas, azules, blancos, amarillos; con las nubes pasa algo parecido, con grises, amarillos, azules, naranjas; la hierba tiene tonos verdes, marrones, amarillos… mientras que la vaya tendrá colores marrones, negros o amarillos.

El sistema de zonas

El fotógrafo estadounidense Ansel Adams estableció un Sistema de Zonas en el que hay 10 que van desde el negro puro hasta el blanco puro. Ni por encima del límite de blancos ni por debajo distinguimos detalles en la imagen. Entre el límite de blancos y el de negros están los cinco tonos de detalle. Partiendo del gris medio tenemos tonos más claros y otros más oscuros. A los dos primeros tonos más claros también los llamamos primeras luces. A los oscuros, primeras sombras. Los tonos más claros que las primeras luces son las segundas luces. Lo mismo pasa con las sombras.
La mayoría de las cámaras están ajustadas para recomendar una exposición que reproduzca los objetos sobre los que medimos en un tono de gris medio. Este gris medio suele ser el gris del 18% lo que significa que refleja el 18% de la luz que le llega. También permiten jugar con un valor de ±2 en la exposición, lo cual supone 5 pasos en el sistema de zonas. Pero, ¿qué pasa con el resto?
Los fabricantes de cámaras suelen sacar cada día modelos más completos, con mejores características y un mayor número de megapíxeles. Pero, hasta hoy, ninguno ha logrado un sensor tan sensible como el ojo humano. Por este motivo, si quieres que algo en una fotografia se vea realmente blanco, por ejemplo un vestido de novia, tendrás que darle más luminosidad que la que te indica la cámara. Y si quieres que el negro, por ejemplo de un gato, sea realmente negro, tendrás que hacer la fotografía con menos luz de la que indica la cámara.
Cuando se descubre esto, muchos fotógrafos se obsesionan con esta idea. Compran potentes luces de estudio, reflectores y demás solo por la idea de eliminar las sombras. Es mejor, como tantas y tantas veces, pararse, respirar y pensar un poco.

Recordando los clásicos

¿Cuándo alguien dice que va a usar la Iluminación de Rembrandt o la Iluminación Butterfly (llamada también Paramount) a qué se refiere? Se refiren a sistemas de iluminación para controlar las sombras, NO para eliminarlas. Un objeto se identifica por sus sombras.  Cuando lo piensas te das cuenta de que un objeto se define por las sombras, no por la luz. Si no hubiera sombras en una imagen no se distinguiria nada, toda la iluminación sería la misma.

Luces y Sombras

Esta importancia de las sombras sobre las luces se hace aun más patente en la fotografía en blanco y negro, donde raramente un blanco es blanco. Las segundas luces, como las hemos denominado anteriormente, luces altas o highlights, son las que transforman una imagen plana en una buena imagen.
Un buen consejo es que hay que tener en cuenta que a veces, en un esfuerzo para conseguir mejores luces, exponemos la imagen y en realidad perdemos detalle. Cuando esto ocurre solemos decir que se ha “quemado” la imagen, y signfica que no hemos sabido encontrar el punto de luz correcto.
Con esto en mente, me gustaría redefinir las luces altas (highlights) como el área más brillante en una foto en la que todavía se puede apreciar el detalle. Lo mismo ocurre con las sombras. Una sombra es definida como el área más oscura de una foto en la que usted todavía puede ver el detalle. Si ves una fotografía de la entrada de cueva y todo está negro, realmente no hay sombras (todo está negro). Pero si puedes ver los ojos o el contorno de alguna critatura que respira el aire fresco de la noche… estás captando las sombras.

Para finalizar…

La razon por la que los grandes maestros se preocuparon en incluir sombras y luces en sus cuadros y fotografías es porque esto conduce directamente sus fotografias a un nivel superior. Si todas las cámaras están ajustadas para disparar al gris al 18%; esto significa que el 90% de las personas con una camara en todo el mundo se quedan a mitad de camino en el mundo de la fotografia.
Muchos aficionados a la fotografia compensan posteriormente sus fotos, pero siguen quedándose a mitad de camino. Para estar a la altura de los grandes, como Ansel Adams o Edward Weston, tienes que tener en cuenta las luces y las sombras. Observa las fotografias que más te gustan, comprobarás como tienen una calidad y una cantidad de detalles que el resto no tienen. Esos detalles son los que dan las luces y las sombras.

5 formas de aprovechar las sombras en nuestras fotografías

Generalmente cuando estamos haciendo fotografías, evitamos la aparición de sombras, aprovechando los ángulos favorables de la iluminación o quizás empleando algún accesorio que nos ayude a eliminarlas o atenuarlas. Las sombras pueden agregar mucho a una fotografía. Se pueden destacar las emociones, crear imágenes surrealistas, y ser usadas en una variedad de maneras. Si bien el uso fuerte de las sombras en fotografías en color tiende a ser utilizado principalmente en siluetas, también puede aparecer en una gran variedad de fotos en color. Para algunos, sin embargo, las sombras son más poderosos cuando se utilizan en fotografías en blanco y negro.
La fuente de toda fotografía es la luz, sin embargo, siempre que hay luz hay sombras. La luz suave es generalmente la más fácil para trabajar porque con ella se crean sombras suaves, pero, la luz suave también puede resultar insuficiente al momento del disparo. Si sabemos cómo usar las sombras en los lugares correctos podemos agregar drama a cualquier fotografía. Acá les dejo algunas ideas de cómo aprovechar las sombras en nuestras fotografías.

1. Puedes buscar las sombras.

Por supuesto, la mejor fuente de sombras es la luz solar natural, pero puede también se crear el efecto empleando un flash electrónico o las lámparas de tungsteno. Fotografiar las zonas de niebla que se encienden por el sol le dará una fotografía una sensación borrosa, suave y llamativa. Para agregar fotografía drama se puede aprovechar la luz del sol que pasa a través de los árboles o que cae sobre el agua. También puede usar el efecto de sombreado del sol para capturar la nieve, el rocío, y la vegetación.

2. Levantarse temprano y quedarse hasta tarde.

Cuando estamos haciendo fotografías de exteriores se pueden usar las largas sombras producidas por el sol en ángulo bajo, con la intención de dirigir el ojo del espectador en una ruta determinada a través de la fotografía. Las sombras pueden ser muy llamativas y demanda la atención del espectador tan pronto como se ven. Durante el día las sombras tienden a caer plano y ancho y se puede utilizar de múltiples maneras.

3. Hacer de la sombra el tema principal.

En lugar de tratar de huir de las sombras, es recomendable incorporarlas en nuestra composición. Para una fotografía convencional, pero creativa la sombra puede ser un elemento clave. Mantener los ojos abiertos durante nuestras salidas para apreciar las proyecciones de sombra sobre el suelo o en el lateral de un edificio. El centro de las sombras, la sombra, es oscuro y profundo. Los bordes de la sombra, la penumbra, son suaves y apagados. Si la fuente de luz es cierto que no se consiga el efecto de penumbra, pero en el fondo en lugar de sombra oscura. Esta es la mejor manera de capturar una sombra clara.

4. Aprovecha las siluetas.

El uso de siluetas es una excelente manera de aprovechar el poder de las sombras. El tema debe ser fácilmente identificable por el espectador. Trata de usar las aves, personas, edificios, figuras, flores, árboles, o lo cualquier elemento que te puedas imaginar. El espectador debe ser capaz de decir lo que la imagen es tan pronto como se mire.

5. Seamos creativos

En lugar de odiar a las sombras podemos entender su funcionamiento, utilizarlas y trabajar con ellas. Las sombras existentes en una fotografía pueden crear el contraste y la intensidad. Las sombras también pueden crear líneas interesantes que no siempre ocurren en la naturaleza. Cualquier distorsión puede ser usado para crear un tema interesante para sus fotografías

Fuente: http://altfoto.com/

Video-Tutoriales de Fotografia en estudio

Fuente : www.studiolightroom.es/